“Tommy”, la tortuosa ópera-rock de The Who, regresa a Broadway con una puesta retrofuturista

La nueva puesta en escena combina las potentes canciones del célebre disco de la banda inglesa y una estética distópica para contar la historia del niño prodigio, abusado y protoinfluencer, rey del pinball

The Who’s Tommy es un espectáculo extraño. Me atrevería a decir que, entre los musicales convencionales, solo es superado por Cats. Al fin y al cabo, trata de un niño que se cierra al mundo tras una experiencia traumática, se convierte en un dios del pinball y adquiere legiones de seguidores en el proceso. Tragedia y catarsis expresadas a través de cuadros a menudo surrealistas y grandes canciones de rock: es un viaje salvaje.
Incluso para los estándares de locura del espectáculo, la reposición alternativo-futurista de Des McAnuff, que acaba de estrenarse en Broadway tras su paso por el Goodman Theater de Chicago, tiene una relación casual con la coherencia. ¿Tommy se convierte en un líder de culto, un protoinfluencer, un tirano, una víctima o todo lo anterior? ¿Deja de envejecer a los 20 años? ¡Ay mi cabeza!
Pero para cuando tu cerebro se da cuenta de las incoherencias, la producción de McAnuff ya ha avanzado, llevada por un gusano de oreja tras otro y proyecciones cinéticas de pared a pared (literalmente). Una historia de privación sensorial contada a través de la sobrecarga -también sensorial- tiene un sentido contraintuitivo.
McAnuff tiene una conexión íntima con el espectáculo. En 1969 adaptó la ópera rock Tommy de The Who, con el líder de la banda, Pete Townshend, y dirigió la versión original del musical, que ganó cinco de los once premios Tony a los que estaba nominada en 1993.
La acción principal arranca en el Londres de 1945, cuando Tommy (Cecilia Ann Popp en la representación a la que asistí), de 4 años, ve cómo su padre, el capitán Walker (Adam Jacobs), mata al amante de su mujer (Nathan Lucrezio). Mientras la señora Walker (Alison Luff) se encoge de hombros ante este drama –supongo que eso es lo que se entiende por “ser duro con los labios”–, el shock deja al niño “sordo, mudo y ciego”, como dice sin rodeos la letra escrita hace 55 años.
Pasan los años y nos adentramos en la década de 1950, cuando Tommy (Quinten Kusheba en la función a la que asistí), de 10 años, es maltratado por el tío Ernie (John Ambrosino) y atormentado por el primo Kevin (Bobby Conte). El Tommy adulto, interpretado por Ali Louis Bourzgui, un rompecorazones que se muestra ligeramente distante y soñador con un falso jersey de cuello alto y que equilibra delicadeza y potencia como cantante, reflexiona sobre los acontecimientos.
El álbum original y la adaptación cinematográfica de Ken Russell de 1975 evocan una versión de los años de posguerra de Townshend, que es a la vez realista y fantástica. Pero este Tommy, nos informa el programa, transcurre en el “pasado, presente y futuro”. Cuando el personaje del título se convierte en ídolo, el espectáculo redobla la apuesta por una elegante estética distópica que me hizo preguntarme si habíamos estado en un multiverso británico todo el tiempo. El vestuario de Sarafina Bush hace guiños a los rockeros y mods de los años 50 y 60, pero también incorpora atuendos militares neofascistas. En ocasiones, los miembros del conjunto llevan máscaras que niegan la individualidad y que les hacen parecer como si Daft Punk se hubiera aficionado a la esgrima.
La paleta de grises, con salpicaduras de amarillo como color característico de Tommy, crea un ambiente opresivo reforzado por la austera iluminación de Amanda Zieve, el estilizado decorado de David Korins y las proyecciones de Peter Nigrini.
Al mismo tiempo, la producción no es tan radical como podría sugerir esta descripción y recicla muchas decisiones artísticas que se han calcificado a lo largo de las décadas. La Acid Queen de Christina Sajous, por ejemplo, es una versión tibia de lo que Tina Turner entregó en la película. (Sería interesante ver una toma física diferente de este número, o escuchar a un intérprete inclinarse más hacia la amenazadora combustión lenta de Merry Clayton en la grabación de 1972 del álbum original de la Orquesta Sinfónica de Londres.)
Aun así, las canciones, a menudo pequeñas, siguen siendo tan distintivas como siempre (por eso The Who’s Tommy también puede ser eficaz en un formato semiescenificado, como demostró la producción de Josh Rhodes en el Kennedy Center hace cinco años). La partitura era muy teatral para un grupo de rock de finales de los 60, pero también es muy rockera para los estándares de Broadway, incluso ahora.
La compañía camina por esa línea, al menos vocalmente, mejor que la de 1993, que estaba más Broadwayizada, y la orquesta, que es tan ruidosa como necesita serlo, toca con una precisión que no renuncia a la energía y a las alegrías del riffage. Lo que predica este Tommy puede ser un poco turbio, pero cuando todo el reparto se alinea de cara al público y entona el final “Listening to You”, caramba, uno se lo cree.