Celebrando a los miembros del Salón de la Fama del Rock & Roll 2024

Cada año, el proceso de incorporación al Salón de la Fama del Rock & Roll se convierte en un acalorado debate sobre quién debería entrar y qué significa “Rock & Roll”, pero los votos han sido contados y aquí están los miembros de este año.

Mary J. Blige

Cuando el álbum debut de Mary J. Blige, What’s the 411?, salió a la calle en julio de 1992, los críticos y fanáticos quedaron anonadados por su poderosa combinación de soul moderno y producción vanguardista de hip-hop que se alejaba del dolor y la determinación de la cantante neoyorkina. Blige se convirtió instantáneamente en una fuerza distintiva del R&B y, a lo largo de una carrera de tres décadas, ha puesto todo el poder de su voz detrás de su música, exorcizando sus demonios y, en consecuencia, suavizando su estilo, pero nunca cediendo su rango como “la Reina del Soul Hip-Hop”.

Cher

Cuando Cherilyn Sarkasian se reinventó como la mitad del dúo pop de los años 60 Sonny & Cher, nadie podía adivinar que era simplemente el primer paso en una redefinición artística en curso que continuaría durante décadas. Después del gran éxito de las grabaciones y el programa de televisión de Sonny & Cher, Cher consiguió éxitos pop por su cuenta, como “Half Breed” y “Gypsys, Tramps & Thieves” en los años 70, antes de pasar al modo disco con “Take Me Home”. “. En los años 80, se convirtió en una actriz estimada, con papeles principales en las aclamadas películas Mask y Moonstruck (esta última le valió un Oscar). Increíblemente, siguió eso regresando a las listas de éxitos pop a finales de los 80 con “If I Could Turn Back Time” y, diez años más tarde, convirtiéndose en una diva del dance-pop al estilo Madonna con el megaéxito “Believe”.

Dave Matthews Band

Dave Matthews Band ayudó a definir las jam-band underground de la década de 1990 con su sonido enérgico, musical y emocionalmente rico y se ha convertido en una duradera institución musical estadounidense. Impregnados de los sonidos progresivos y multiculturales de los años 80 (unieron rock universitario de bandas de bar con jazz basado en grooves y exploraciones de ritmos mundiales a los que las exuberantes exhortaciones y la introspección melancólica de Matthews les dieron vida resbaladiza), el grupo consiguió seguidores a través de casetes intercambiados de espectáculos en vivo. Under the Table and Dreaming de 1994 fue su gran éxito que los vio saltar al mainstream; giras constantes y álbumes como Big Whiskey & the GrooGrux King de 2009 mantuvieron al grupo allí. No importa cuántos éxitos o cambios en la formación tuvieron, la banda siguió siendo guerreros de la carretera, regresando al estudio en ocasiones para lanzar álbumes como Walk Around the Moon de 2023.

Foreigner

Construido alrededor de las habilidades de composición y los ardientes riffs de guitarra de Mick Jones y las voces llenas de arena rock de Lou Gramm, el estilo enganchado de AOR de Foreigner se hizo popular a finales de los años 70. Sus dos primeros álbumes, Foreigner de 1977 y Double Vision de 1978, fueron una doble dosis de canciones extremadamente pegadizas y una producción ingeniosa que encabezó las listas y generó una serie de sencillos enormes. A medida que las tendencias musicales cambiaron, también lo hizo la banda: agregaron elementos new wave a su sonido, trabajaron con Mutt Lange en 4 de 1981 y adoptaron un estilo adulto en baladas como “Waiting for a Girl Like You” y su mayor éxito, 1984. “I Want to Know What Love Is”. Aunque la carrera discográfica de la banda se estancó cuando Gramm dejó la banda a finales de los 80, diferentes encarnaciones de la banda continuaron de gira y su presencia todavía se puede escuchar a diario en la radio de rock, mientras que su mezcla de hard rock y baladas suaves resultó influyente para bandas que van desde de Soul Asylum a One Direction.

Peter Frampton

Peter Frampton saltó a la fama en 1976 con Frampton Comes Alive!, un LP doble que reformuló canciones de sus primeros cuatro álbumes en versiones que se convirtieron en éxitos que definieron una era. Sus encarnaciones en vivo, “Show Me the Way”, “Baby, I Love Your Way” y “Do You Feel Like We Do” se convirtieron en éxitos del Top 40 que capturaron la gloria del álbum rock que llenaba los estadios en los días anteriores al punk. El éxito de Frampton Comes Alive fue tan grande que eclipsó sus primeros días como guitarrista destacado en Herd y Humble Pie, y también moldeó la impresión de la música que hizo inmediatamente después. Frampton demostró que era un sobreviviente, trabajando constantemente solo y como acompañante, en particular tocando en el álbum de David Bowie de 1987, Never Let Me Down. A principios de la década de 2000, se instaló en un circuito regular de giras y grabaciones, manteniendo una fiel base de fans y una vez más ganando atención por su destreza con la guitarra: su LP Fingerprints de 2006 se llevó a casa el Grammy al Mejor Álbum Pop Instrumental. Frampton anunció una gira de despedida en 2019 después de recibir un diagnóstico de miositis por cuerpos de inclusión, pero su salud se estabilizó, lo que le permitió lanzar Frampton Forgets the Words en 2021 y regresó al escenario en el concierto de bienvenida del 2022 lanzado en 2023 como Peter Frampton en el Royal Albert Hall.

Kool & The Gang

Formado como un conjunto de jazz a mediados de los años 60, Kool & the Gang se convirtió en una de las unidades de funk más inspiradas e influyentes durante los años 70, y en uno de los grupos de R&B más populares de los años 80 después de su gran éxito “Celebration”. Tan funky como James Brown o Parliament (y sampleados casi con la misma frecuencia), Kool & the Gang se basó en su experiencia en jazz y su larga amistad para formar un grupo muy unido con la interacción y la improvisación de un grupo de jazz, además de la energía y la chispa de una banda con vínculos iguales con el soul, el R&B y el funk. Sus 21 éxitos Top 40 exhiben un rango poco común, desde el duro funk de “Jungle Boogie” hasta el suave soul instrumental de “Summer Madness” y el animado pop de “Joanna”. Como grupo discográfico, han tenido el mismo éxito, habiendo alcanzado el Top Ten de la lista de R&B con una docena de LP que incluyen el disco de oro Wild and Peaceful (1973), el disco de platino de Ladies’ Night (1979), ¡Celebrate! (1980), Something Special (1981), Emergency (1984), y el oro Forever (1986). Desde los años 90, se han centrado más en las giras, aunque ocasionalmente han reunido conjuntos de material original como Still Kool (2007), Perfect Union (2021) y People Just Wanna Have Fun (2023). Los cofundadores Robert “Kool” Bell y George “Funky” Brown continuaron liderando la banda hasta la década de 2020.

Ozzy Osbourne

Ozzy Osbourne, quien se estableció como el Príncipe de las Tinieblas del heavy metal desde el principio como vocalista del grupo que definió el género Black Sabbath, ha demostrado una perseverancia indestructible mientras sigue siendo una de las voces más poderosas del metal durante más de 50 años y se convirtió en una superestrella multimedia internacional a lo largo de la historia. Después de separarse de Sabbath en 1979, Osbourne rápidamente lanzó una carrera en solitario, atravesando los años 80 en una tormenta de controversia y abuso de sustancias mientras hacía algunos álbumes emblemáticos como Blizzard of Ozz de 1980 y Diary of a Madman de 1981. El impecable talento para el espectáculo de Ozzy y su habilidad para rodearse de guitarristas de estrellas como Randy Rhoads y Zakk Wylde lo mantuvieron en las listas y tocando en estadios durante los años 90, y las travesuras de su familia fueron capturadas en la serie de MTV The Osbournes, haciéndolo parte de la ola de reality shows de la década de 2000. La incansable ética de trabajo de Ozzy tomó la forma de trabajo constante tanto en el estudio como en la carretera con reuniones de Black Sabbath y su propio festival Ozzfest. Aún activo hasta los setenta, Ozzy continúa lanzando nuevos álbumes en solitario como Ordinary Man de 2020 (en el que colaboró con Post Malone, Travis Scott y Elton John) y su seguimiento de 2022, ganador del Grammy, Patient Number 9.

A Tribe Called Quest

A Tribe Called Quest fue sin duda uno de los grupos de rap más progresistas y cruciales de la década de 1990. Junto con sus hermanos y hermanas de Native Tongues (un equipo que también incluía a Jungle Brothers, Queen Latifah, De La Soul, Monie Love y Black Sheep), Tribe logró un equilibrio natural entre contenido lírico reflexivo y despreocupado, examinando temas personales y problemas sociales profundos sin olvidar pasar un buen rato. Tan creativo y poderoso como los productores, Tribe ayudó a crear nuevos caminos para el hip-hop con samples visionarios e inventivos de grabaciones de jazz de los años 60 y 70 no utilizadas anteriormente, entre otros estilos que van desde la bossa nova hasta el rock progresivo, e incluso colaboró con algunos de los intérpretes cuyos nombres aparecían en las notas que revisaron. Los primeros cinco álbumes del grupo, destacados por la carrera totalmente platino de The Low End Theory (1991), Midnight Marauders (1993) y Beats, Rhymes and Life (1996), sumaron una de las discografías de artistas más importantes de la década rap o lo que sea. Seis años después de su separación en 1998, volvieron a reunirse en el escenario y continuaron realizando giras ocasionales hasta la década de 2010. We Got It from Here…Thank You 4 Your Service (2016), su último LP, se convirtió en su segundo álbum número uno meses después de la muerte del miembro fundador Phife Dawg.